改めて、残されたビアズリーの写真をみると、 どこか、退廃に浸る悪魔的な匂いがしてくる。 が、若くして自らの死を予感していたビアズリーは、 人生の終盤になってカトリックに改宗し、 死の間際では、ペンではなく十字架を握っていたのだという。 神の啓示からか、実際に後期の絵にはその毒気が抜け落ちてゆく。 とはいえ、禁じられた図像は語り続ける。 「芸術は死ぬが、死が芸術になるときがある」のだと。

東京ステーションギャラリーでの 『生誕120年　宮脇綾子の芸術　見た、切った、貼った』展を観てきたのだが、 予想以上に見応えのある素敵な展覧会だった。 東京ステーションギャラリーならではの渋いチョイスといえる。 むき出しの煉瓦がいかにも手作業の工芸にフィットする。 それを加味して、タイムリーな展覧会だった。 アップリケというと、子どものときに、 お母さんが子供服に動物や花なんかを縫い付けたりするものだから どこか可愛いイメージがあるのだが、 宮脇綾子という人の場合は、母親目線というよりは主婦目線。 野菜や魚といった日常の食材や自然からモティーフを得てフォルムを決定し 趣のある着物地なんかを使って彩ってゆく作家である。 本人の言葉を引用すれば、観察者の視点を素直に反映する。 まずはそこからだ。

そして、美術界の叡智。 ゾフィー・トイバー＝アルプの言葉は、絵画でも彫刻でも、建築装飾でも織物でも、 ゾフィーの手を通して、この世に現れた“かたち”の数々を思い起こさせる。 あの少し緊張感を孕んだ幾何学的構成、色彩の静けさ。 均衡とリズムがまるで呼吸のように織り込まれた作品の前に立つと、 彼女の言葉が、ひとつの呟きのように耳に響いてくる。 祈りに似た創作態度とでもいうべきか。 まるで、生活そのものを詩にしようとする意志のような波動がそこにはあった。

今、ちまたで浮世絵にスポットライト、との声が聞こえてくる。 大河ドラマ「べらぼう〜蔦重栄華乃夢噺〜」の影響があるとかないとか。 多少世代差もあるだろうが、 ある程度、一般教養としてなら、 まず北斎の名を知らぬ日本人などそういないだろうし、 そうなると、『東海道五十三次』の広重あたりだって含むはずである。 確かに河鍋暁斎や月岡芳年あたりになるとマ二アックなのはわかる。 国宝酒井抱一や尾形光琳などは少し渋すぎるとしても 昨今では、、若冲人気は高いところだし、 なら、その師匠格の歌川国芳あたりはどうか？

この展覧会では、こちらベルギーの画家、ジャン=ミッシェル・フォロンの世界が 記号が単に道標ではなく、夢の風向きを指し示していたのを確認できる。 目的地のない旅、目的さえ失って、なおも進みつづける旅人にとっての道標。 きっと、この展覧会に足を運ぶ人であり、私自身さえも誘われる先にあるもの、 個々思いは違えど、人類全体で進むべき道は共通だ。 フォロンの世界の魅力はそんなところにある。